A 25 legjobb film 2021-ben

Egy év hibernálás után ismét megnyílik a pénztárak, így 2021 legjobb filmjei vadul eklektikusak. Az idei év legjobbjait tartalmazó listánkon – amelyet a Total Film választott ki – a kasszasikerek mellett a provokatív indiák, az égető drámák, a szokatlan animációk és az idegen nyelvű kedvencek is szerepelnek.

Meg kell jegyeznünk, hogy a Total Film csapata egyesült királyságbeli székhelyű, ezért a 2021-es év legjobb filmjeinek alábbi listája azokból a filmekből áll, amelyek 2021-ben az Egyesült Királyság mozikba és streaming szolgáltatásokba kerültek, nem pedig az Egyesült Államokban. Ez azt jelenti, hogy olyanok, mint az Oscar-díjas Nomadland és a Ígéretes fiatal nő, beérik (áprilisban adták ki), míg Guillermo Del Toro sokat hangoztatott Nightmare Alley című filmje nem (itt 2022 januárjában jelenik meg). Vannak olyan filmek is, amelyeket még nem láttunk közösen – köztük a Mátrix feltámadását és a Pókember: Nincs hazaút. Ha megvan ezek mértéke, akkor hozzáadjuk őket, ha megérdemlik a helyet.

A beállított paraméterekkel ezek az elmúlt év legjobb filmjei – az Ön választása felkerült a listánkra?

25. CODA #

(Kép jóváírása: Apple TV+)

Ez a rosszindulatú, szívet melengető, felnőtté váló mese egy merész amerikai tinédzserről, aki siket családja és zenei álmai között szakadt, bizonyítottan megnyerte a tömeget. A „siket felnőttek gyermekeként” Ruby (Emilia Jones) a középiskola és a kudarcba fulladt családi horgászvállalkozás között flipperez, amelynek szüksége van rá, hogy a hallóvilággal foglalkozzon. A rendező, Sian Heder üdvözölte a hangulatos francia sláger, a La Famille Belier adaptációját, bemutatva, hogy a „barom kvóták” és a ragadozó halkereskedők hogyan veszélyeztetik a család megélhetését. A film nagyot ért el kedves, vidám portréjával Ruby káromkodó, szexbolond családjáról, akiknek teátrális jelbeszédét öröm nézni. A CODA Jones filmje volt (az ő hangja az egyetlen nyom, hogy ő Aled Jones lánya), előadását Ruby édes, makacs energiája és lelkes dallamai lendítették.

24. A francia feladás #

(Kép jóváírása: Searchlight Pictures)

A French Dispatch szeretettel kidolgozott bökkenő a régi iskola újságírására; több részre osztott film, amelyek mindegyike egy-egy karaktersorozatot követ, egy magazin szerkezetét utánozva. A French Dispatch egy fiktív magazin, amelyet a francia Ennui-sur-BlasÉ városában készítenek. Wes Anderson irányítása minden különálló, megkülönböztetett történetben biztosított volt, és mindegyikben megvan az a szeszély, amelyet a szerzőtől elvárnak. Itt van az elképesztő stáblista is, amely felismerhetőbb hollywoodi neveket tartalmaz, mint egy Met gála vendéglistája.

23. Spencer #

(Kép jóváírása: Neon)

A királyi figyelőket mostanában elkényeztették. Először a The Crown hozta Dianát otthonunkba, majd Pablo LarraÍn egy szűk történetet mesélt el Dianáról, amely 1991-ben három napon keresztül játszódik. Kristen Stewart empatikus hercegnőként szenzációs, ezen a portrén, amely érzékenyen tárja fel belső zűrzavarát. Egyszerűen feloldódik Dianában. Vele szemben Timothy Spall leskelődő equerry-je kiváló fóliát alkot, LarraÍn pedig csodákat művel a királyi családról való gondoskodás hatalmas kulisszatitkai működéséről. A corgiktól a jelmezekig a Spencer olyan érzést kelt benned, mintha a Windsorokkal együtt pulykáznál – jóban és rosszban.

22. Pókember: Nincs hazaút #

(Kép jóváírása: Marvel)

A Spider-Man: No Way Home összehozta a gazembereket a web-slinger filmes történetéből egy olyan filmhez, amely már-már hibára utal. Tom Holland Pókja megalapozza az egész ügyet, és amikor ezek a híres arcok feltűnnek, tagadhatatlan, hogy a Hazatérés-trilógia lezárása olyan jeleneteket tartalmaz, amelyek egyenrangúak a Bosszúállók: Végjátékban Thor kalapácsával hadonászó Amerika Kapitány szédületes magasságával. Rajongói szolgáltatás a játék neve, és ha Ön webfej, a No Way Home a hős múltjának és jelenének ünnepe volt.

• További információ: A Spider-Man: No Way Home című beszámolónk

21. Shiva Baby #

(Kép jóváírása: Utopia)

Emma Seligman írói/rendezői debütálása az év legstresszesebb vígjátéka. Valójában olykor szinte horrorfilmként játszik, fullasztó klausztrofóbiával, felerősített előérzetekkel és billentyűk és vonósok támadó staccato partitúrájával. A siva (a zsidó hagyomány szerint a temetést követő gyászidőszak) egy házban játszódik, a sürgetés elkerülhetetlen, és bár minden cringe-com forgatókönyvet felnagyítanak, mindez fájdalmasan hitelesnek tűnik. Rachel Sennott alakítása a kormány nélküli Danielle-ként, akit a szélvész elkapott, beinvitál minket, és van valami a The Graduate’s Ben Braddockjából a nehéz helyzetében, Seligman pedig új perspektívát visz az eseményekbe, miközben hógolyóznak. Élvezze, ha ez a szó.

20. Petite Maman #

(Kép jóváírása: Lilies Films)

„Miután megírtam az első vázlatot, úgy gondoltam: „Ó, ez egy időutazós film” – mondta Céline Sciamma francia szerző, és hozzá hasonlóan először talán nem is vetted észre, mert fluxuskondenzátorok és például volt két kislányunk, akik összebarátkoztak, miközben faházat építettek. Elképesztően hasonlítanak egymásra (Joséphine és Gabrielle Sanz nővérek kiválóak), és kiderül, hogy valójában anya és lánya, akik egy rövid (72 perc!), szerény léptékű, nagy témákat feldolgozó filmben hidalják át a teret, az időt és az érzelmi megosztottságokat. a szerelemről és a veszteségről. Ez a két kis hölgy portréja, mint mindig, lángokban látta Sciammát.

19. Shang-Chi és a tíz gyűrű legendája #

(Kép jóváírása: Marvel Studios)

„Az volt a célunk, hogy a közönség számára a szuperhős eredettörténetének modern újramondását biztosítsuk” – mondta Simu Liu, a Marvel legizgalmasabb 2021-es filmjének kitörő sztárja. A cím szerint kiképzett bérgyilkosként visszatért régi életébe, amikor édesapja (Tony Leung) telefonál, és Liu segített valami létfontosságúra irányítani Destin Daniel Cretton rendezőt egy keltezett 70-es évek képregényéből. Kiment a megkérdőjelezhető faji sztereotípiák. A zűrzavar és a misztikum tökéletes keveréke jött be – ezzel a buszharccal az év egyik legjobb díszlete. Ja, és Ben Kingsley visszatérése az Iron Man 3-ban, Trevor Slattery szerepében csemege volt.

• További információ: A Shang-Chi áttekintésünk – és a spoiler Shang-Chi befejezésünk.

18: Cenzor #

(Kép jóváírása: Vertigo Releasing)

Prano Bailey-Bond debütáló filmjében a Video Nasty fergeteges napjait elevenítette fel Prano Bailey-Bond, egy gazdagon elképzelt lélektani szelet, amelyben Niamh Algar elsőrangú cenzora bekerült azon slasherek világába, akiket eltűnt húga után kutat. Számos hatásra támaszkodva (Argento, Hammer, a rendező korábbi rövidfilmje, a Nasty) a Censor klinikai kritikát adott a korszak bulvárhisztériájáról, és nyugtalanítóan boncolgatta a felbomló elmét. Az eredmény egyszerre volt nosztalgikus élvezet a vérszomjas moziban, és egy feltűnő névjegy egy olyan rendező számára, akit egy Hitchcock-i cameo-ban lehetett látni az egyik kikapcsolódásában.

• További információ: Prano Bailey-Bond rendezővel beszélgetünk a Censorról

17. A világ legszebb fiúja #

(Kép jóváírása: Juno Films)

Az egyetlen 2021-es dokumentum (egy erős évben), amely a Total Film 2021-es legjobb filmjeit feltörte, Björn Andrésen privát világába vezette a nézőket. Öt évtizeddel később is Luchino Visconti 1961-es Halál Velencében című filmjében, a vágy angyali külsejű tárgyaként, Tadzioként ismerik. Kristina Lindström és Kristian Petri érzékeny dokija azt tárta fel, hogyan vezetett Andrésen későbbi életében ez az elsöprő élmény depresszióhoz. Átfogó, de soha nem szenzációhajhász, még akkor is, ha kényelmetlen volt beleülni az eredeti képernyőtesztbe. Andrésen továbbra is lenyűgöző figura marad a képernyőn, gyászosan örökítette meg a lenyűgöző filmművészet.

16. A kutya ereje #

(Kép jóváírása: Netflix)

Jane Campion 12 év után tért vissza a filmezéshez, egy saját készítésű történettel, amelyben egy ’20-as évekbeli montanai tanyatulajdonos (Jesse Plemons) feleségül vett egy özvegyet (Kirsten Dunst), és az ebből következő érzelmi veszteséget. Elég egyszerű elrendezés, de mint a hegyekben megbúvó árnyak, amelyek a tanyára derengenek, a sötétség lesben áll. Ennek nagy része a pályafutása legjobbjának számító Benedict Cumberbatch megfélemlítő alfa-marhájából, Philből és abból a forrongó feszültségből eredt, amely minden egyes gyönyörű képkockát kísértett, de a végső erőjáték ugyanolyan brutális és klinikai volt, mint egy ló herélése. Valóban mérgező férfiasság. Várhatóan Kodi Smit-McPhee is ott lesz a díjátadón.

• További információ: A kutya hatalmának teljes filmkritikája

15. Átadás #

(Kép jóváírása: AUM Group)

Az operatőr lehetett fekete-fehér, de más nem volt Rebecca Hall elgondolkodtató korabeli darabjában, Nella Larson filmjének adaptációjában.
1929-es novella, amely hathatós betekintést nyújtott az alulfeltárt szegletbe
az afro-amerikai tapasztalat. Tessa Thompson és Ruth Negga remekül passzolt egymáshoz ebben a történetben, amelyben két nő él radikálisan eltérő életet – az egyik orvos tiszteletre méltó házastársa, a másik pedig feleség, aki fehéren „múl el” gyanútlan férje orra alatt. Hogy az egyik álszentsége a másik önazonosság-érzete milyen lenyűgöző drámává vált egy olyan filmben, amely megerősítette Hallot, hogy nézhető rendező.

• További információ: A Passing teljes filmkritikája

14. Nincs idő meghalni #

(Kép jóváírása: Univerzális)

Daniel Craig sokat késett hattyúdala, a 007 (köszi, Covid) végre a mozikba került nagy titkolózás közepette – és jó okkal. Az elmúlt évtizedek legradikálisabb Bond-filmje James egy rosszfiúval (Rami Malek) küzdött meg egy nagyon aktuális fegyverrel, egy fekete nő felvállalta a híres Bond-ügynökszámot, megdöbbentő haláleset és kánonkihívó örökség. Merész? Igen. Megosztó? Igen. Lehet, hogy nem tetszett minden rajongónak, de a No Time To Die nagy ígéretet tett: egy eseményes Bond-filmet, amelyről mindenki beszélt. „Nem volt lehetőség arra, hogy lezárjam az összes laza véget, és befejezzem, amit 15 évvel ezelőtt elkezdtem” – mondta Craig a meghajlásáról. Küldetés teljesítve.

• További információ: A mi választásaink a következő James Bondhoz

13. Első tehén #

(Kép jóváírása: Mubi)

Kelly Reichardt még soha nem látta a Star Warst („Emlékszem, hogy gyerekként sorban álltam… aztán elaludtam”), de fogadni lehet, hogy rengeteg westernt látott; bensőséges tudás kell ahhoz, hogy így átírjuk a műfajt. A hatlövőket, a fehér macsó hősöket és az alapvető mítoszokat eldobva Reichardt inkább a férfibarátságról szóló csendes mesét forgatta, amely a zöldellő Csendes-óceán északnyugati részén játszódik az 1820-as években, miközben Cookie (John Magaro) és King-Lu (Orion Lee) ellopja egy földbirtokos tejét. nagyra becsült tehén keksz készítésére. A First Cow elhallgatott, nem sietős örömnek bizonyult: „Ez a különbség aközött, hogy megmutat valamit a közönségnek, és hagyja, hogy a közönség lásson valamit” – mondta.

12. Újabb kör #

(Kép jóváírása: Nordisk Film)

A legjobb idegen nyelvű film idei Bafta- és Oscar-díjasa, Thomas Vinterberg felemelő meséje négy tanárról, akik úgy döntenek, hogy kísérleteznek a nappali ivással, tökéletes (gin and) tonik volt a járványkorszakban. „Az alkohol ünnepe [amelyből] egy történet az életről… milyen nehéz és milyen értékes” – jegyezte meg Vinterberg – ez a megfigyelés fájdalmasan valósággá vált, amikor hetekkel a forgatás előtt elvesztette a lányát egy autóbalesetben. Mads Mikkelsen remekelt Martin szerepében, akinek a középkorú rosszullétét felrázza ez a bődületes terv, ami egy táncos fináléhoz vezet, ami minden bizonnyal az év legjobb rutinja a Strictly-n kívül. Eredeti szájpad tisztító.

11. Quo Vadis, Aida? #

(Kép jóváírása: TRT)

Ez a kemény bosznia-hercegovinai dráma bekerült a legjobb nemzetközi film Oscar-díjára, ahol kikapott a közönségkedvelő dán pályaműtől, az Another Round. . Szemünk és fülünk Aida (egy fantasztikus Jasna Ðjuricic), egy fordító, aki egy ENSZ-táborban dolgozik a „biztonságos zónában”, és megpróbálja megvédeni a saját családját és még több ezer embert, miközben Mladic és emberei kenyérrel és csokoládéval ereszkednek le, hogy álcázzák valódi igazukat. terveket.

Jasmila Žbanić (Grbavica) írója és rendezője szerint ezt a felelősségteljes, megrázó filmet az állandóan dobogó emberi szív teszi elviselhetővé. „Sok olyan film, amit látok, és amelyek háborúval foglalkoznak, még a háborúellenes filmek is élvezik a háború látványát” – mondta Žbanić az Eurimagesnek a film feminista perspektívájáról. „Nőként nem találok semmi élvezeteset a háborúban. Ez egy banális platform a szociopatáknak és a hatalomtól elvakított embereknek. Minden emberi értéket elhanyagolnak, és csak az erősek maradnak fenn. Feministaként megvetem ezeket a struktúrákat.”

10. Bo Burnham: Belül #

(Kép jóváírása: Netflix)

Különleges film vagy vígjáték? A bezárás idején, egy loft-szerű szobában forgatott, a mentális szétesés kaleidoszkópos krónikája éppolyan biztosan elmosta a határokat a médiumok között, mint ahogy keverte a tényeket és a fikciót. Ha több Total Film írója filmnek tartotta volna, mivel végül is rendelkezik narratívával, akkor még magasabb helyezést ért volna el. Mert egy dolog biztos: remekmű, ahogyan Steve Martin nem kisebb komikus tehetség mondta izgatottan a Total Filmnek, miközben saját, Only Murders In The Building című tévésorozatát reklámozta.

Flitting between catchy electro-pop numbers boasting acrobatically rhyming lyrics, sock puppets discussing geopolitics, scalpel-sharp observations of social and digital isolation, bleak existential musings and more, much more – all presented in a whirling, whizzing display of visual and audio pyrotechnics – Inside is the most impressive work yet by the former YouTube sensation who previously wrote and directed Eighth Grade. Burnham’s anxiety is our great gift.

• Read more: The best Netflix comedies to watch right now

9. The Mitchells Vs. The Machines #

(Image credit: Netflix)

„I basically combined the thing I love the most in the world – my crazy family – and the thing I loved the most when I was a kid – killer robots,” said director Mike Rianda. In telling the story of a cross-country college drop-off marred by an AI uprising, Rianda never put a foot wrong. The best animated film of the year was produced by Phil Lord and Chris Miller, who also oversaw Spider-Man: Into The Spider-Verse, and it boasted as much heart, art, and humor as the webslinging gamechanger. The hilarious The Mitchells Vs. The Machines was also unexpectedly heartfelt, and the animation was both unashamedly cartoony and richly textured.

8. Minari #

(Image credit: A24)

Deciding to leave filmmaking behind for a teaching career, director Lee Isaac Chung spent the few summer months he had left before school started trying to write „the most personal script I could think of”. Turning back to his own roots, Chung’s heartfelt drama painted a delicate portrait of a Korean family struggling to farm a dusty patch of ’80s Arkansas – finding the bigness of small things in a powerfully simple story that echoed the best of John Steinbeck. Youn Yuh-jung rightfully won an Oscar while Chung and Steven Yeun narrowly missed out, but it was little Alan Kim who really brightened up the 2021 awards circuit.

7. The Nest #

(Image credit: Picturehouse Entertainment)

„There are so few films… that are really good and complicated that have women
in the lead,” said Carrie Coon. This was one of them. True, Jude Law was on top form, all irresistible charm and smarm as aspirational-slash-delusional commodities broker Rory. Anne Reid dropped a devastating cameo. And don’t get us started on that poor, monumentally metaphoric horse. But this was Coon’s movie. Her portrayal of displaced, slowly imploding Alison made you feel every joy, every frustration, every chain-smoked ciggy. And her nuances are next-level: take the moment when, as husband Rory waffles on, her BS detector oh-so-quietly pings.

Read more: Jude Law, Carrie Coons on making The Nest

6. The Father #

(Image credit: Sony)

If sentiment had had its way, the 2021 Academy Awards would have ended with the late Chadwick Boseman being crowned best actor for his role in Ma Rainey’s Black Bottom. As desired as that outcome might have been, though, it was impossible to deny how deserving of the Academy honor Anthony Hopkins was for his titanic, heartbreaking turn in The Father.

A mere 16 minutes of screen time in The Silence Of The Lambs was enough to win Sir Anthony his first Oscar in 1992. Yet he made up for it in Florian Zeller’s adaptation of his own 2012 stage play, a devastating portrait of an old man’s descent into dementia that rarely took the camera away from his craggily tortured features. Rufus Sewell, Mark Gatiss, and Olivias Williams and Colman all made significant contributions to a film that made us experience by proxy its central character’s wavering hold on reality, in one subtly shifting apartment location. In the end, though, it was all about Hopkins: a giant of an actor arguably delivering his definitive performance.

5. Promising Young Woman #

(Image credit: NowTV)

As showrunner on Killing Eve season 2 and the author of deliciously dark novel Monsters, we probably shouldn’t have been surprised by the ferocious and feminist content of Emerald Fennell’s searing film debut. Following one traumatised woman (Carey Mulligan, astonishing) on a personal crusade against toxic masculinity as she turns the tables on date rapists and nightclub predators, Promising Young Woman was wickedly funny, horrifying and sorrowful in equal measure. And did we mention the banging soundtrack?

Uncompromising and uncomfortable (the stag-do scene is harrowing), it netted Fennell numerous awards including three Oscar nods (winning Best Original Screenplay) and helped to open up conversations about consent. “Part of the challenge is making it not feel like medicine,” Fennell said of nailing the creative tightrope of an ‘issues’ movie. „It’s making it feel like something you’d want to go and see on date night, and then discuss it afterward.” We certainly did. And we added Paris Hilton’s ‘Stars Are Blind’ to our playlists…

• Read more: The Total Film review of Promising Young Woman

4. Sound of Metal #

(Image credit: IMDb)

The most immersive auditory experience of the year, Sound of Metal couldn’t not win the Best Sound Oscar (it also picked up Best Film Editing). The film followed punk drummer Ruben Stone (Riz Ahmed, who learned drums and ASL for the role) on a journey into Deaf culture, as he suddenly loses his hearing. Taking up residence in a home for Deaf addicts – overseen by sage mentor Joe (Paul Raci, rightfully Oscar-nommed) – Ruben slowly begins to find a peace that had been missing from his tightly wound lifestyle.

Director Darius Marder and sound designer Nicolas Becker put your ears right alongside Ruben’s for much of his experience, and in cinemas the film played with open (fixed) captions. „This film wasn’t just made for hearing people,” Marder told Total Film. „It was made for both hearing and Deaf people, with the understanding that it’s two different experiences. But that’s the whole idea of a cross-cultural experience: we all come from different perspectives, and we all see and experience things differently.” Sound of Metal proved to be an experience both intense and profound.

• Read more: The Total Film review of Sound of Metal

3. Nomadland #

(Image credit: Searchlight Pictures)

In 2017, Chloé Zhao made a masterpiece in The Rider, a poignant tale of a rodeo rider who suffers a near-fatal head injury. The film starred a cast of non-actors playing versions of themselves – a step beyond docudrama into the territory of ‘fictive documentary’.

With Nomadland, Zhao repeated much the same trick, only this time she plonked self- effacing movie star Frances McDormand in the middle of the non-actors playing themselves. She also caught the zeitgeist with its tale of America’s new nomads, the sixty- and seventysomethings who lost everything in the 2008 crash and searched for seasonal work while living out of campervans.

At once capturing a hardscrabble existence and a sense of freedom beneath the arching stars, Nomadland won the Golden Lion at Venice and traversed a road paved with gongs that led all the way to the Oscars, where it bagged Best Film, Director, and Actress. „A once-in-a-lifetime journey,” is how Zhao described it in her acceptance speech, and Nomadland is a rare film that can change the way you view your own life.

• Flashback! Nomadland wins Best Picture at the Oscars

2. The Green Knight #

(Image credit: A24)

David Lowery (A Ghost Story, The Old Man & The Gun) was attracted to the anonymous 14th-century poem Sir Gawain And The Green Knight because it offered the chance to make a movie about “a knight on a horse going on a journey… something that I could do simply on a relatively low budget”. But the film he fashioned was perplexing, visually audacious and wildly imaginative.

The story is indeed simple: a knight all in green presents himself at the court of Arthur and Guinevere and offers anyone the chance to take a free shot at him, though whatever damage is inflicted will be returned in 12 months’ time. Dissolute Gawain (Dev Patel) spies a chance of glory and lops off the knight’s head, only for the stranger to gather it up and exit. A year later Gawain must saddle up and ride to a distant chapel to meet his fate…

Deconstructing the hero’s journey as Gawain undergoes a series of strange encounters while traversing stunning landscapes, Lowery offered a singular vision. Everyone from Monty Python to John Boorman has done Arthurian legend. But has anyone done it so well?

• Read more: Dev Patel and Joel Edgerton talk The Green Knight

1. Dune #

(Image credit: Warner Bros)

Much like House Atreides after their arrival on Arrakis, the odds were stacked against Dune. Here was science fiction’s Lord of the Rings – an ‘unfilmable’ novel that defeated legendary filmmakers David Lynch and Alejandro Jodorowsky. First there were doubts that the audience for a cerebral $165m sci-fi blockbuster existed. Later, the discourse surrounding cinema vs. streaming became even more deafening than Hans Zimmer’s sublime, enamel-rattling score. All the while, the money men played chicken with a hoped-for Part Two, unwilling to commit to a concluding chapter until the first film proved itself.

That’s water deep, deep under the desert sands now. Dune was a once-in-a-generation sci-fi opus. An unmatched exercise in world-building, it was a film that fully transported audiences to a distant, feudal future. Greenscreen and newfangled virtual production techniques were snubbed. Instead, Dune would film for real, on mammoth sets, and in the deserts of Wadi Rum and Abu Dhabi, so you could practically feel the spice beneath your fingernails.

It was a film of blockbuster spectacle, but arthouse sensibility and soul, wrestling with profound, pertinent themes (colonialism, ecological exploitation) amid the slack-jawed sights of colossal sandworms and city-sized spaceships. For Denis Villeneuve, „Dune is about the triumph of the human spirit,” and he found an absurdly starry A-list cast capable of rising to this challenge, hinging on Timothée Chalamet, who brought precocious wisdom and adept physicality to conflicted saviour Paul Atreides.

The scale of Team Dune’s achievement can’t be overstated. LOTR is an apt comparison; this was a similarly definitive adaptation of an unassailable literary classic, the wordy interiority of Herbert’s prose replaced with an equally poetic visual sensibility. A common criticism – it only tells half the story – is a moot point now that Part Two looms. And beyond that, an adaptation of sequel novel Dune Messiah, if all goes to plan. “Dreams are messages from the deep,” a voice booms in the film’s arresting opening frames. After reading Dune at the age of 14, it took Villeneuve 40 years to realise his dreams. The wait was worth it.

• Read more: Denis Villeneuve talks bringing Dune to the big screen

Those are Total Film’s picks for the best movies of 2021. Agree or disagree? Let us know on social media. For more, check out the most exciting upcoming movies heading our way soon.