Bármit is gondolsz, hogy a hatvanas évek milyen volt vagy hogyan nézett ki, gondold át újra. A viharos évtized mindenféle szempontból sokszínű, beleértve a filmeket is. De vajon mely filmek a hatvanas évekből valójában a legjobbak?
Egy olyan évtizedben, amelyet a változó társadalmi normák jellemeztek, nem is beszélve a polgárjogi mozgalomról és a politikai mocsárról, amelyet Vietnam jelentett, az 1960-as évek filmjei hasonlóan tükrözték a globális közösséget, amely átalakulóban volt. A Japánból, Olaszországból, Franciaországból és máshonnan érkező avantgárd külföldi importok elvonják a figyelmet a bevált amerikai stílusról. A filmkészítők mindeközben azt látták, hogy a szakmájukkal szembeszállt egy új, olcsóbb szórakozási alternatíva: a televízió. Az évtized filmjei azonban ahelyett, hogy magasabb szintű látványosságot kínáltak volna, mint amire a televízió csekély költségvetése képes volt, inkább arra törekedtek, hogy a közönséget olyan felforgató történetekkel hívják ki, amelyek újrarajzolják az elfogadhatóság határait.
Az 1950-es évekhez hasonlóan az 1960-as évek is előrevetítette a közeljövő erkölcsi kétértelműségét. Ahogy a szűkszavú Hays-kód elvesztette szorítóbilincsét, az Új Hollywood hirtelen robbanása – amelyet már a francia Új Hullám is megelőlegezett – nagyobb kreatív szerzői jogot adott a filmkészítőknek, lehetővé téve számukra, hogy filmjeikben tükrözzék a városokban, kommunákban és egyetemi kampuszokon mindenütt elterjedt hipszter ellenkultúrát.
Annyi klasszikus filmet lehetne felsorolni, íme, csak 32 film az 1960-as évek legjobb filmjei közül.
32. Batman (1966)
(Képhitel: Warner Bros.)
Szent mozi, Batman! Az eredetileg William Dozier producer által csupán a tévésorozat népszerűsítésére tervezett 1966-os Batman-film (rendező: Leslie H. Martinson) mára a maga extravagáns pompájában képviseli a táborművészetet. Adam West főszereplésével, abban a szerepben, amely híressé tette, a címszereplő keresztes lovag Gotham City legelvetemültebb gonosztevői ellen veszi fel a harcot, akik az Egyesült Alvilág néven szövetkeztek. Bár korántsem ez a valaha készült legjobb szuperhősfilm, a híres tévésorozat – a nagyvászonra felnagyított – összefoglalása a Batman az egyik legszínesebb, legfelháborítóbb, sőt, legszórakoztatóbb kereskedelmi filmmé teszi a kihívásokkal teli évtizedben. Valóban vannak napok, amikor egyszerűen nem lehet megszabadulni a bombától.
31. Barbarella (1968)
(Képhitel: Paramount Pictures)
A legmagasabb rendű kultuszfilm, Jane Fonda egy B-kategóriás sci-fi gyöngyszem főszereplője, amelynek vonzereje abban rejlik, hogy, nos, Jane Fonda egy totál dögös csaj az űrben. (A Barbarella pedig Fonda mindenre elszánt játékkedve miatt olyan őszintén nézhető.) A francia képregénysorozat alapján készült filmben Barbarella (Fonda) egy űrutazót követ, akit azért küldenek, hogy megtalálja azt a tudóst, akinek olyan fegyvere van, amely képes kiirtani az emberiséget. Miután olyan sztárok, mint Brigitte Bardot és Sophia Loren visszautasították a szerepet, Fonda a film szexualizált jellege miatt hezitált; abban az időben Fonda két meztelenkedési botrány középpontjában állt, amelyek a Szerelmi kör és A játéknak vége. Fonda azonban el volt ragadtatva, amikor Roger Vadim rendező elmondta neki, hogy a sci-fi hamarosan rangos műfaj lesz. Mivel a Star Wars még kilenc évnyire van, Vadimnak nagyjából igaza volt, még ha a Barbarella ma már nem is olyan nagy franchise.
30. Cherbourgi esernyők (1964)
(Képhitel: 20th Century Studios)
Jacques Demy felejthetetlen romantikus, átütő erejű musicaljében egy fiatal francia házaspár alig várja, hogy örökkévalóságot kezdjen, mígnem az algériai háború szétválasztja őket. Amikor elkerülhetetlenül újra összejönnek, a fagyos hidegben kiderül, hogy az egykor forró szenvedély kihűlt. Catherine Deneuve és Nino Castelnuovo a főszereplők, akik egy elbűvölő párost alakítanak, akik a fiatal és szerelmes lét egyetemes izgalmát, a túl korai szerelem megtalálásának tragédiáját és annak keserű elfogadását képviselik, hogy az élet nem mindig úgy alakul, ahogyan azt elterveztük. Demy romantikus trilógiáját alkotó filmek közül – köztük a Lola (1961) és a Rochefort-i fiatal lányok (1967) – a Cherbourgi esernyők áll a legmagasabban, mint a fiatal szerelem keserédes múlékonyságát legjobban bemutató film.
29. Onibaba (1964)
(Képhitel: Toho)
Ez a film annyira ijesztő, hogy még William Friedkint, Az ördögűző rendezőjét is megijesztette. Az Onibaba egy buddhista példázat újragondolása, amelyben egy elátkozott maszkról van szó, amely megbünteti viselőit, és két nőt követ, akik vándorló szamurájokat csalogatnak, hogy megöljék őket, és pénzért eladják a fegyverzetüket. Amikor egy férfi közéjük áll, olyan ősi érzések kavarognak, mint az irigység és a düh, mint egy sötét, szentségtelen vihar szele. Ez a hátborzongató kép, melyben a legfelsőbbrendű, ősrégi energiával rendelkezik, az atombombák Japánban visszamaradt traumáinak kidolgozott metaforája extra jelentőséget kap, ha tudjuk, hogy az író/rendező Kaneto Shindō hirosimai születésű. Az Onibaba egyike volt Shindō számos olyan filmjének, amelyben a nukleáris megsemmisítés borzalmaival és saját személyes valóságával küzdött, amikor látta, hogy az otthonát a földdel teszik egyenlővé, és a túlélők gyógyíthatatlan sebekkel maradnak.
28. Easy Rider (1969)
(Képhitel: Columbia Pictures)
Az amerikai újhullám teljes gőzzel indult az Easy Riderrel, egy modern westernnel, ha volt ilyen. A Dennis Hopper által rendezett, Peter Fondával és Terry Southernnel közösen írt Easy Rider két motorost követ (Hopper és Fonda alakítja), akik az amerikai Délről indulnak nyugatra egy jövedelmező kokainüzletből szerzett pénzzel. Az Easy Rider, az ellenkultúra mérföldkőnek számító eposz egyszemélyben alakította ki kollektív szókincsünket a nyílt útról, mint a kalandok utolsó határáról, és mint az egyetlen helyről a Földön, ahol az identitás és a szabadság érzését megtalálhatjuk.
27. A lakás (1960)
(Képhitel: United Artists)
Ha a falak beszélni tudnának. Billy Wilder 1960-as The Apartment című romantikus komédiájában Jack Lemmon egy ambiciózus biztosítási alkalmazottat alakít, aki a munkahelyén való felemelkedés reményében megengedi idősebb munkatársainak, hogy Upper West Side-i lakását házasságon kívüli viszonyaikhoz használják. A dolgok bonyolódnak, amikor Lemmon Budja beleszeret Franbe (Shirley MacLaine), akinek viszonya van Bud saját főnökével. Az 1945-ös Rövid találkozás című brit film és egy valós hollywoodi botrány, egy producer viszonya, amely az alkalmazottjuk lakásán kívül történt, lazán inspirálta A lakás egy elragadó vígjáték arról, hogy soha ne legyünk túl közel az eseményekhez.
26. To Kill a Mockingbird (1962)
(Képhitel: Universal Pictures)
Harper Lee 1960-ban megjelent, korszakalkotó regényét, amely egy elvhű ügyvédről szól, aki egy szexuális erőszakkal vádolt ártatlan fekete férfit véd meg, két évvel később Robert Mulligan rendező mesterien adaptálta a filmvászonra. Gregory Peck főszereplésével, mint Atticus Finch és Mary Badham a fiatal lánya, Scout szerepében – akinek nézőpontja a történet elsődleges nézőpontját adja – Mulligan filmváltozata a maga nemében amerikai klasszikusként aratott elismerést, mivel az előítéletekkel teli környezetben való felnőtté válás gyengéd és felkavaró tanulmánya. Finch felejthetetlen védőmonológja révén (Mulligan kamerája bölcsen az esküdtszék szemszögéből veszi át a nézőpontot) a To Kill a Mockingbird (Megölni a feketerigót) számtalan generációnak adott útmutatást arra, hogyan álljon ki a helyesért, még akkor is, ha az igazságszolgáltatás kevés.
25. Az élőhalottak éjszakája (1968)
(Képhitel: Criterion)
A The Walking Dead előtt ott volt George Romero Night of the Living Dead című filmje, amely nemcsak bevezette a zombikat az amerikai popkultúra lexikonjába, de vitathatatlanul a legjobban csinálta a műfajt. A vidéki Pennsylvaniában játszódó filmben hét túlélő húzza meg magát egy tanyán, amikor húsevő hullák hordái hirtelen mindenhol életre keltek. Az élőhalottak éjszakája nem csak az összes zombis horror történet alapkönyvét írta meg, de a fekete színész Duane Jones (a főszereplő Ben) szerepeltetése forradalmi és politikai jelentőségű volt, és a szívszorítóan fordulatos befejezésben a zombikat örökre dinamikus és képlékeny metaforává változtatta annak, amit az ember szörnyűnek tart.
24. A majmok bolygója (1968)
(Képhitel: 20th Century Studios)
Franklin J. Schaffner A majmok bolygója című, lazán Pierre Boulle 1963-as regényén alapuló filmváltozatának főszereplője Charlton Heston, aki egy űrhajóst alakít, aki egy idegen bolygón landol, ahol az emberiség primitív, és a beszélő majmok a legintelligensebb fajként átvették az uralmat. Bár A majmok bolygója franchise-t hozott létre, Schaffner eredeti filmje a sci-fi kiemelkedő alkotása, amely technikailag látványos és szellemileg is előremutató. Ennyi évvel később A majmok bolygója még mindig erőteljes figyelmeztetésként hat az emberiségnek a táplálékláncban elfoglalt helyével kapcsolatos arrogáns hozzáállása ellen.
23. A mandzsúriai jelölt (1962)
(Képhitel: United Artists)
Richard Condon regénye alapján készült John Frankenheimer sötét pszichológiai thrillere a hidegháború egyik meghatározó filmje, amely a korszakban uralkodó, belülről leselkedő ellenséggel kapcsolatos paranoiát használta ki. A JFK meggyilkolása előtt egy évvel bemutatott film egy koreai háborús veteránt, Raymond Shaw-t (Laurence Harvey) követi, akinek tudta nélkül kommunisták agymosást végeznek, és visszaküldik az Egyesült Államokba, hogy megöljön egy elnökjelöltet. A Frank Sinatra, Janet Leigh és Angela Lansbury főszereplésével készült, formabontó kémthriller bőséges politizálása és összeesküvései végérvényesen megszabták a mércét az összes későbbi kémthriller számára. A műfaj újításai a mai napig visszaköszönnek a modern, hasonló témájú filmekben, A Bourne-azonosságtól az Amerika kapitány: A téli katona című filmig. Hasonlóan félelmetes modern remake jelent meg 2004-ben, Denzel Washington, Liev Schrieber és Meryl Streep főszereplésével.
22. Mezítláb a parkban (1967)
(Képhitel: Paramount Pictures)
Jane Fonda és Robert Redford soha nem volt viccesebb és dögösebb, mint egy friss házaspár szerepében, akik a nászutas boldogságukból visszatérve a valóság humorérzékével kell megküzdeniük. Miután beköltöznek egy ötemeletes manhattani sétálóutcás lakásba, a szabad szellemű Corie (a delíriumos Fonda) és a kissé feszültebb Paul (az éles komikus időzítéssel büszkélkedő Redford) megtanulják, hogy mit is jelent valójában birtokolni és megtartani, amikor az első pár közös hónapjuk nem olyan, mint amilyennek egyikük is elképzelte. Bár a cselekmény pillekönnyű, a film – amely Neil Simon színdarabján alapul, és Gene Saks rendezte – a jóképű színészek sugárzó karizmájának köszönhetően maradandót alkot.
21. Mary Poppins (1964)
(Képhitel: Disney)
A Disney egyik legnagyobb sikere az 1960-as években született, Julie Andrews és Dick Van Dyke táncolt és énekelt a bevállalósabb családi élet erényeiről. Az Edward-kori Londonban egy varázslatos nő repül az égből, hogy válaszoljon a Banks-gyerekek „A tökéletes dadus” hívására. Ő Mary Poppins (Andrews), a legtitokzatosabb lény, aki egyszerre szelíd és határozott, és pontosan az a kanál cukor, amire a Banks családnak szüksége van ahhoz, hogy újra egész legyen. A technikailag káprázatos és a szívében egészséges Mary Poppins a Disney egyik legikonikusabb és legsikeresebb élőszereplős filmje, és nem véletlenül. Mi mást mondhatnánk, mint hogy „Szuperkalifragilisticexpialidocious!”.
20. Tokyo Drifter (1966)
(Képhitel: Nikkatsu)
Seijun Suzuki tisztelgése a fegyveres westernek előtt a Tokyo Drifter című hihetetlenül stílusos gengszterfilm formájában érkezik, amely egy megjavult bérgyilkosról, Tetsuról (Tesuya Watari) szól, aki a hatalom megszilárdítására törekvő rivális bandák közé keveredik. A különc vizuális stílusáról ismert Suzukit először a stúdió kényszerítette arra, hogy visszafogja a filmvásznon mutatott érzékenységét; a stúdió kis költségvetést adott neki, hogy Suzuki biztosan a saját keretein belül színezzen. Megtorlásképpen Suzuki az 1950-es évek zenés filmjeiből, az abszurd vígjátékokból és a feltörekvő pop art szcénából merített ihletet, hogy megalkossa eddigi legszürreálisabb képét. Ez a lázadás-mint-nyilatkozat filozófia szivárog át a Tokyo Drifter pórusain, a képkockákba foglalt visszafogott maximalizmusa olyan élményt teremt, amit akkor sem tudsz elfelejteni, ha nem érted, mi történik.
19. Butch Cassidy és a Sundance kölyök (1969)
(Kép hitel: 20th Century Studios)
Georgy Roy Hill William Goldman által írt westernklasszikusában Paul Newman és Robert Redford a mozi legmenőbb, legérinthetetlenebb törvényen kívülijeiként szerepelnek, akik kétségbeesett menekülésük során Bolíviába menekülnek. Vajon túlélik? A válasz erre kevésbé érdekes, mint az a gazdag, lebilincselő utazás, amelyre Butch Cassidy (Newman) és Harry Longabaugh, alias „Sundance Kid” (Redford) a film során elindulnak, hiszen bűntársak, akiket szoros kötelékük a testvériség és a bromance védőszentjévé tesz. Bár megjelenésekor népszerűtlen volt, a Butch Cassidy és a Sundance Kid mégis olyan filmként nyerte el a tiszteletet, amely arról tanúskodik, hogy a legnagyobb jutalom nem a gazdagság, amellyel elmenekülsz, hanem az élmények, amelyeket azokkal gyűjthetsz, akik a legfontosabbak.
18. Egy nehéz nap éjszakája (1964)
(Képhitel: United Artists)
Minden zenei videó, rocksztár-dokumentumfilm, koncertfilm és TikTok-tekercs adós az A Hard Day’s Nightnak. A vígjáték és a zene kaleidoszkópja, Richard Lester gyors vágásokkal és kézi hisztériával teli filmje a Beatlest a Beatlemánia csúcspontján örökíti meg. Az A Hard Day’s Night azonban nem egy elnéző, önelégült dokumentumfilm a hírnév okozta drámákról és fáradtságról, hanem a liverpooli rockerek mindenhol, ahol csak járnak, zűrzavart okoznak – és egy igazi történet sincs a láthatáron. Az A Hard Day’s Night az interjúztatók Marx Brothers-szerű rutinjával való trollkodástól kezdve az üvöltő rajongók elől való menekülésig, akik úgy mozognak, mint a darázsrajok, kevésbé Taylor Swift: The Eras Tour, mint inkább a francia újhullám a maga szabadszellemű pajkosságában és leleményességében.
17. A madarak (1963)
(Képhitel: Universal Pictures)
Alfred Hitchcock után soha többé nem láttunk madárrajokat ugyanúgy. Ebben az ikonikus 1963-as horrorfilmben, amely Daphne du Maurier 1952-es novelláján alapul, és amelyet lazán inspirált egy két évvel korábbi, a kaliforniai Capitola városában történt különös tömeges madártámadás, agresszív madarak terrorizálják az álmos kisváros lakóit. Bár a gyilkos varjak és galambok papíron elcsépeltnek tűnhetnek, egy olyan szuverén filmes, mint Hitchcock kőkemény horrorklasszikust nyújt, amelyben a természet az emberiség tudományos fejlődésétől függetlenül is fenntartja uralmát. A csend mesteri használata és a korai speciális effektek mesteri kivitelezése között A madarak soha nem fog megállni, hogy ne szálljon el – és ne késztessen minket arra, hogy fedezékbe meneküljünk.
16. A diplomaosztó (1967)
(Képhitel: Embassy Pictures)
Mike Nichols romantikus dramedyje, a korai független filmsiker, mesterien ragadta meg a 60-as évek fiatalságának nyughatatlan szellemét a történetben, amely egy főiskolát végzett férfiról (Dustin Hoffman) szól, aki viszonyt kezd egy idősebb nővel (Anne Bancroft), miközben beleszeret annak lányába, Elaine-be (Katharine Ross). A felejthetetlen befejezés, amelyben a két szerelmespár lassan rádöbben tetteik elsöprő jelentőségére, zseniális húzás volt Nichols részéről. Azzal, hogy egyszerűen nem mondja meg a színészeinek, mit tegyenek, miután felszálltak a buszra, fizikai fáradtságuk a lelki ambivalenciát tükrözi. Amikor Hoffman és Ross egy zavarba ejtően hosszú felvételen már nem mosolyog, fáradt arckifejezésükből kiderül, hogy karaktereik bizonytalanok abban, hogy a szerelem elég erős-e ahhoz, hogy kitartson.
15. Cool Hand Luke (1967)
(Képhitel: Warner Bros.)
A vietnami háború idején az ellenkultúra dacát képviselő sok ikonikus amerikai film egyike, Stuart Rosenberg rendező Cool Hand Luke című filmje, amelyben Paul Newman egy floridai foglyot alakít, aki nem hagyja, hogy a láncok lefogják. A film forgatókönyvét Donn Pearce írta, akinek saját bűnözői múltja és a floridai büntetés-végrehajtási intézet láncos bandáiban eltöltött két éve ihlette mind a regényét, mind a filmet. Az inspiráló és felkavaró Cool Hand Luke gyakorlatilag egy oktatóvideó arról, hogyan kell megőrizni a hidegvérünket és túljárni mindenki más eszén egy olyan ellenséges helyen, amely azt akarja, hogy holtan essünk össze.
14. A jó, a rossz és a csúnya (1966)
(Képhitel: MGM)
Sergio Leone a hatvanas éveket az olasz gyártású westernek meghatározásával töltötte a Dollár-trilógiával, amely a Névtelen ember (Clint Eastwood) nomád hőstetteit követi nyomon. Az Egy maréknyi dollárért (1964) és a Pár dollárral többért (1965) után Leone utolsó filmjében három fegyverforgatót követ – Eastwood, Eli Wallach és Lee Van Cleef alakításában -, akik az amerikai polgárháború idején elásott konföderációs aranyért versenyeznek. Bár a személyes vélemények megoszlanak arról, hogy a trilógia melyik a legjobb a három közül, A jó, a rossz és a csúnya egyszerűen túl epikus ahhoz, hogy figyelmen kívül hagyjuk, és vitathatatlanul a legemblematikusabb spagettiwestern marad. Emlékezetes operatőri munkái és operai erőszakossága miatt az akciófilmesek évtizedek óta Leone maradandó remekművéből merítenek ihletet.
13. Rosemary babája (1968)
(Képhitel: Paramount Pictures)
Hideg vigasz, hogy sosem látod a baba arcát. Roman Polanski pszichológiai horrorfilmjében Mia Farrow egy fiatal manhattani feleséget alakít, aki azt gyanítja, hogy a szomszédai célpontjává vált, hogy valami szentségtelent hozzon világra. Polanski filmje – amelyben John Cassavetes, Ruth Gordon, Mauriece Evans és Charles Grodin is szerepel, filmes debütálásában – perzselő és ultrasötét thriller egy nő cselekvőképességének elvesztéséről (Polanskitól sajnálatosan ironikusan hangzik), és arról, hogy a 20. századi társadalom szekularizmus felé való menetelése az emberiség vesztét okozhatja. A Rosemary’s Baby éppen megelőzte a sátánista szekták miatti hisztériakeltés, amely az 1970-es és 1980-as években hamarosan az újságok címlapjainak meghatározó helyére került.
12. Arábiai Lawrence (1962)
(Képhitel: Columbia Pictures)
Lehet valakinek az élete annyira epikus, hogy az egyik legnagyobb kalandfilm legyen belőle? A 20. századi brit régész, katonatiszt és író, T. E. Lawrence látszólag olyan életet élt, amelyből David Lean Arábiai Lawrence című filmje készült. A főszerepben Peter O’Toole-lal, aki akkoriban ismeretlen színész volt, de Lean kedvelte (az 1960-as A nap, amikor kirabolták a Bank of Englandet című filmből), a film végigkíséri Lawrence-t az Oszmán Birodalmon keresztül az első világháború idején. Maga a film azt vizsgálja, hogy Lawrence nehezen békél meg az erőszakkal, és hogy megoszlik a hűsége Nagy-Britannia és az arab erőkön belül újonnan szerzett szövetségesei között. Az Arábiai Lawrence egy olyan korszak látványos kasszasikereként, amely nem sok ilyet készített, olyan vadsággal és kalandvágyból galoppozik, amelyet csak A fosztogatók az elveszett frigyládából majdnem 20 évvel később láthatunk.
11. Magas és mély (1963)
(Képhitel: Toho)
Akira Kurosawa nem véletlenül az örökérvényű szamurájeposzok rendezőjeként híresült el. De még akkor is, amikor saját ziccereiből zakatol, a híres művész megőrzi legjobb vonásait, például a színházi jellegű formabontást és az elnyomó erőkkel összecsapó, erős akaratú karaktereket. Lépjünk be: High and Low, Kurosawa lendületes, finoman megkomponált bűnügyi drámája 1963-ból. Az Ed McBain King’s Ransom című regénye alapján készült filmben egy gazdag vezető (Toshiro Mifune) megtudja, hogy a fiát elrabolták és váltságdíjért tartják fogva, ami egy izzasztó, előrevivő cselekményt indít el, ahol az idő a legfontosabb. Kurosawa a szamurájpáncélt ropogós ingre és nyakkendőre cseréli, és Japán háború utáni újjáéledéséről elmélkedik. A rendező maga körül látta, hogy a japán társadalom gyorsan fejlődik a modernitás felé. De milyen áron?
10. Oroszországból szerelemmel (1963)
(Képhitel: United Artists)
A James Bond-folytatás, amely még a mindent eldöntő elődjét, a Dr. No-t is kiütötte a vízből, Terence Young rendező és Sean Connery színész újra összeálltak a From Russia With Love című filmben, hogy ezúttal egy olyan történetet meséljenek el, amelyben Bond egy gyönyörű szovjet disszidensnek (Daniela Bianchi) segít megszökni a SPECTRE karmai közül. Az MI6 legnagyobb kémje a hidegháborús feszültségek közé merül, a From Russia With Love a valaha készült egyik legjobb Bond-folytatásként tartja ritkaságszámba menő levegőjét, hiszen egyszerre komor, szexi és izgalmas blockbuster. Az is segít, hogy a filmet minden idők egyik legjobb Bond-dala húzza alá, amelyet a bőgős Matt Monro énekel.
9. Pierrot le Fou (1965)
(Képhitel: SociÉtÉ Nouvelle de CinÉmatographie (SNC))
Jean-Luc Godard a hatvanas éveket azzal töltötte, hogy olyan filmekkel, mint a Levegőtlen (1960), a Vivre sa vie (1962) és a Kívülállók bandája (1964), a francia új hullámban elfoglalt helyét érvényesítse. Godard csúcsformáját azonban 1965-ben érte el a Pierrot le Fou című élénk és színes kísérleti road movie-val, amely egy férfiról (Jean-Paul Belmondo) szól, aki gyermeke bébiszitterével és volt szeretőjével (Anna Karina) elszökik, hogy maguk mögött hagyják a bougie világot. A Pierrot le Fou egy pop-art emlékmű, amely bővelkedik érzékiségben, halálra ítélt romantikában és egy lerombolt negyedik fal törmelékében, és nem csak igazolta Godard szerzői státuszát, hanem aranyba is öltöztette azt.
8. Reggeli Tiffanynál (1961)
(Képhitel: Paramount Pictures)
Audrey Hepburn nem csak bebetonozta sztárságát Blake Edwards rendező Reggeli Tiffanynál című filmjével, hanem garantálta halhatatlanságát. A romantikus vígjáték eme óriásjátékában Hepburn Holly Golightlyt, egy különc társasági hölgyet alakít, aki beleszeret egy küszködő íróba (George Peppard). Mickey Rooney japán szomszédjának rasszista ábrázolásától eltekintve a Reggeli Tiffanynál pezsgő és elegáns, egy olyan film, amely a szívedben lévő szerelmet modos divatba öltözteti. Hepburn Holly szerepében az időtlen szépség szimbólumaként ma is mindenütt jelen van, és nehéz vitatni, hogy miért. Egyetlen pillantás tőle Edwards kamerájának lencséjébe, és mindannyian fejjel megyünk a magas sarkú cipőért.
7. La Dolce Vita (1960)
(Képhitel: Columbia Pictures)
Frederico Fellini neve egyet jelent a jó olasz filmművészettel, és a La Dolce Vita az egyik legmaradandóbb sikerfilmje. A film egy sztárújságírót követ (akit az ultra-menő Marcello Mastroianni alakít, aki minden képkockából árad a hivalkodás), aki egy lázas hetet tölt azzal, hogy Rómában – a csillogás és a glamour által elárasztott ősi városban – tombolva valami tiszta dolgot keres. A La Dolce Vita egyedi cselekményszerkezettel és fanyar humorral büszkélkedő film a háború utáni virágzó civilizáció dekadenciáját élvezi, miközben előrevetíti a társadalomnak a hírnév mérgezésével járó mérgezését.
6. A vad csürhe (1969)
(Képhitel: Warner Bros.)
Sam Peckinpah adta meg a westernek utolsó hurráját A vad bandával, amely egy öregedő törvényen kívüliekről szóló film, akik küzdenek a modernizálódó 20. századhoz való alkalmazkodásért, és dicsőségesen távoznak. Bár a westernek nem haltak ki teljesen, az 1960-as évekre a műfaj jócskán kiesett a népszerűségből, és azóta sem tudta visszaszerezni ezt a népszerűséget. Ez csak azt eredményezi, hogy a puskaporrobbanások és golyócsapások bombázása, amely Peckinpah robbanásszerű fináléját hangsúlyozza az Agua Verde-ben, olyan, mint egy tűzijáték, amely a számtalan fehér kalapos hősnek és fekete kalapos gazembernek állít emléket, akik Hollywood kezdete óta a filmvásznat díszítették. A The Wild Bunch után a westernfilmek elindultak a naplementébe, és soha többé nem néztek vissza.
5. 8 ½ (1963)
(Képhitel: Columbia Pictures)
Frederico Fellini olasz filmrendező híres filmjében, amely a szerzőség és az egyéniség megőrzésének küzdelmeiről szól egy olyan területen, amely a nyilvánosságnak van kitéve, némileg maga ellen fordította a kamerát. Fellini nyolcadik filmjében (innen a cím) Marcello Mastroianni színész alakítja Guido Anselmit, a rendezőt, aki kétségbeesetten próbálja megőrizni identitását egy nagy költségvetésű sci-fi film irányításának szigorú, önmarcangoló folyamatában. Guido mindeközben az életében lévő különböző nőkre gondol. A szürrealista meta-fekete komédia, amely elmosja a kayfabe határait, a 8 ½ joggal tekinthető a valaha készült egyik legjobb filmnek a filmkészítésről.
4. West Side Story (1961)
(Képhitel: United Artists)
Hogyan lehet megoldani egy olyan problémát, mint Maria? Ebben a modernizált Rómeó & Júliában, amely New York város rasszista utcai bandáiban játszódik, Natalie Wood és Richard Beymer sztárszerelmeseket alakít, akik egymásba szeretnek, miközben egy területi háború ellentétes oldalán állnak. Az eredeti 1961-es változat – amelyet Robert Wise és Jerome Robbins rendezett – egy zenés románc nagyágyúja, amely bátran kezeli a vásznat színpadként, összetett koreográfiával, élénk színpalettával és dinamikus kameramozgással, amely olyanokra volt hatással, mint Michael Bay (aki egy 2001-es New York Times-interjúban méltatta a filmet) és Steven Spielberg, aki 2021-ben saját remake-jét rendezte. Ha megnézed a West Side Storyt, egy életre rajongó leszel, az első cigarettától az utolsó haldokló napodig.
3. Szemek arc nélkül (1960)
(Képhitel: Lux Compagnie CinÉmatographique de France)
Bár Georges Franju 1960-as, korszakalkotó horrorfilmje, a Szemek arc nélkül megelőzte a slasher-filmek többségét, felkavaró története és kegyetlen erőszakossága megszabta azokat a mércéket, amelyeket később olyan műfaji mesterek tartottak fenn, mint John Carpenter és Wes Craven. A Szemek arc nélkül még így is különbözik minden eddig látott horrorfilmtől, hiszen éppoly költői, mint amilyen borzalmas. A film egy neves plasztikai sebészt követ (Pierre Brasseur alakítja), aki gyönyörű fiatal nőket foglyul ejt, hogy húsukból faragjon, és helyrehozza lánya tragikus eltorzult testét. Édith Scob is szerepel az orvos lányaként, aki egy kísérteties fehér maszkot visel, amely mintha a jövő olyan ikonjainak előképe lenne, mint Michael Myers és Jason Voorhees. Itt a gyönyörű és a hátborzongató valószínűtlen cellatársak.
2. 2001: Űrodüsszeia (1968)
(Képhitel: MGM)
Egyetlen film sem határozza meg úgy a hatvanas éveket, mégis úgy érezzük, mint Stanley Kubrick 2001: Egy űrodüsszeia című filmje. Két megaklasszikus, a Lolita (1962) és a Dr. Strangelove (1964) után Kubrick a csillagokba tekintett egy fenséges sci-fi eposszal, amely Arthur C. Clarke „Az őrszem” című novelláját dolgozza fel. A 2001 óriási terjedelmű film, amely szó szerint évezredeket ölel át az emberiség főemlős eredetétől Kubrick előrejelzése szerint az űrhajós fajként való kifinomultságunkig. De bármilyen messzire is visz minket a fejlődés, az ember még mindig megmagyarázhatatlan erőszaknak van kitéve. És így a Discovery One Jupiter felé tartó útján a HAL 9000 mesterséges intelligenciának saját elképzelései vannak a túlélésről, mint ahogyan azt hústáskás gazdáinak tetszene. A gyönyörűen megkomponált és másvilági értelemben baljóslatú 2001: Űrodüsszeia egy fekete monolit érintésével ugrotta meg a mozit.
2001: Az űrutazás 7.99 Ft az Amazonon 8.19 Ft a Hit áruházban 9.69 Ft a Hive Könyvkiadónál
1. Psycho (1960)
(A kép forrása: Paramount Pictures)
A gyönyörű Janet Leigh-vel, egy üveg Hershey’s csokoládésziruppal és Bernard Herrmann lüktető, minden húrt megmozgató darabjával Alfred Hitchcock olyan filmes remekművet kovácsolt, amely mélyen a lelkünkbe nézett, és feltárta, mi rettent mindannyiunkat. A vörös heringekkel, fekete komikus iróniával és sűrű szimbolizmussal teletömött Hitchcock legfelismerhetőbb filmje, amely egy freudi pszichoanalízisről szóló előadást is megtölthetne, impozáns óriásként marad fenn, amely újradefiniálta a kereskedelmi filmek ízlésbeli elfogadhatóságát, és megújította a modern horrorfilm konvencióit. A Robert Bloch azonos című könyve alapján készült történet elsősorban a hátborzongató Bates Motelben játszódik, amelyet a különc tulajdonos, Norman Bates (Anthony Perkins) felügyel, aki sötét titkot rejteget. Bár a Psycho érthető módon franchise-t hozott létre, amelyhez a népszerű Bates Motel című tévésorozat is tartozik, a Psycho önmagában is erőteljesen megállja a helyét, mint olyan film, amely mindent megváltoztatott.