Az első olyan évtizedben, amely teljesen mentes volt a szűkszavú tartalmi korlátozásoktól, mégis a vietnami háború rémálmaitól gyötörték, a filmek örökre megváltoztak a hetvenes években. De melyek közülük valójában a legjobbak?
Miután a külföldi filmesek uralták az 1960-as éveket, az „Új Hollywood” új mozgalma teljes lendületben volt, amelyben a hazai hollywoodi rendezők a korábbinál nagyobb kreatív kontrollt gyakoroltak munkájuk felett. Ugyanakkor a világ, és különösen Amerika sivárnak tűnt, ha a televízió egyre növekvő jelenléte által közvetített hírek alapján ítéljük meg. Politikai botrányok, korrupt kormányok, növekvő bűnözés és növekvő cinizmus közepette a filmek hasonlóan melankolikus és/vagy nihilista hangulatot tükröztek. Még az 1969-es Holdra szállás csodája sem tudott tartósan csodálatot kelteni a csillagok iránt, mivel a filmkészítők az űrt nagyon ijesztő hellyé változtatták.
Alulmaradt sporthősök, gonosz szellemek, idegen látogatók, shaolin szerzetesek, önbíráskodók, gyilkos cápák és még sok minden más határozza meg ezt a bonyolult évtizedet, amely még mindig a vietnami bűnök és a hidegháborús feszültségek újbóli fellángolása után tántorog. De milyen filmek szórakoztatták a közönséget ezekben a nyugtalanító időkben? Íme az 1970-es évek 32 legjobb filmje.
32. Slap Shot (1977)
(Képhitel: Universal Pictures)
Ezt iktasd a következő kategóriába: Mit keres itt Paul Newman? A Nancy Dowd forgatókönyvíró által írt Slap Shot (Pofonlövés), amelyet lazán inspirált a testvére eladásra ítélt kisebb ligás hokicsapata, egy rosszmájú lázadás egy küszködő kisvárosi hokicsapatról, amely komoly lökést kap, amikor a legújabb játékosok, a Hanson fivérek látványos ütéseket mérnek a jégen a rajongók örömére. A George Roy Hill által rendezett Slap Shot megelőzte a legtöbb kultikus sportvígjátékot, de ez a film még mindig túlszárnyalja mindegyiket a maga ősemberes hangulatával, a nevetéshez méltó jeleneteivel, és azzal, hogy az Oscar-díjas Paul Newman – Ruggie Dunlop játékos-edző szerepében – váratlanul jól érzi magát az irigylésre méltó ruhatárral rendelkező, kiöregedett öltözői veterán szerepében.
31. Wanda (1970)
(Képhitel: Bardene International Films)
A független filmművészet egyik mérföldköve, a Wanda egy kilátástalan nőt követ, aki egy bankrabló társaságában köt ki. Az író, rendező és főszereplő Barbara Loden munkája, a Wanda együttérző és tragikus portré a modern társadalom résein áteső nőkről, visszhangozva Loden saját akkori céltalansági érzéseit. Loden néhány évvel később mellrákot diagnosztizáltak nála, majd 1980-ban meghalt, és a Wanda lett Loden egyetlen rendezése. Loden azonban egyetlen filmje révén is független művészek generációira volt hatással, és végérvényesen meghatározta az ikonoklasztikus mozi mércéjét.
30. Nashville (1975)
(Képhitel: Paramount Pictures)
Robert Altman Nashville című epikus zenés vígjátékában egy egyhetes politikai gyűlés és zenei fesztivál az 1970-es évek Amerikájának terráriumává válik, amelynek politikai és szociológiai tágassága a country zeneipar mikrokozmoszába sűrűsödik. A filmben olyan nagyszerű szereplőgárda szerepel, mint David Arkin, Ned Beatty, Karen Black, Shelley Duvall, Jeff Goldblum, Lily Tomlin és még sokan mások. Bár Altman filmje a 70-es évek közepének politikájával és társadalmi dinamikájával pácolt, még évtizedekkel később is hátborzongatóan aktuális.
29. Suspiria (1977)
(Képhitel: Produzioni Atlas Consorziate)
Dario Argento 1977-es klasszikusa, a Suspiria az giallo horror óriása, egy túlvilági darab a matriarchátusok és a női művészet sötét oldaláról. Jessica Harper játssza az amerikai balerina szerepét, aki átiratkozik egy neves németországi akadémiára, ám megtudja, hogy az iskolát boszorkányok szövetsége lakja. Ebben a romlott tündérmesében Argento az élénk Technicolor teljes erejét szabadjára engedi a vörös, kék és rózsaszín paletták rohamával, amelyek egy megidézési rituáléhoz hasonlóan kavarognak együtt. A progresszív rockzenekar, a Goblin lenyűgöző zenéjével megidézett idegborzongató atmoszférával kombinálva a Suspiria felejthetetlenül kecses és hátborzongató.
28. Amerikai graffiti (1973)
(Képhitel: Universal Pictures)
George Lucas mindössze 29 éves volt, amikor az American Graffiti című coming-of-age-klasszikusát a mozikban bemutatták, és elragadó kritikákat kapott. A későbbi Star Wars-rendező aligha volt még életközépi válságban, amikor 1962-ben vágyakozó nosztalgiával mutatta ki, hogy 1962-ben a sok féktelen fiatal egyike volt, akik felpumpált hot rodokba ültek, és kalandvágyóan cirkáltak a saját belvárosukban. Míg Lucas neve ma már egyet jelent a nagyszabású szökevényes blockbusterekkel, a leginkább földhözragadt filmje, amely egy csapat rock-‘n-roll tinédzsert követ végig egy nyári éjszakán Lucas kaliforniai szülővárosában, Modestóban, még mindig élénken él, mint egy félig önéletrajzi korrajz, amelyet egy olyan ember szemével készítettek, aki nem sokkal idősebb, mint a saját szereplői.
27. A Rocky Horror Picture Show (1975)
(Képhitel: 20th Century Studios)
A Jim Sharman által rendezett és az 1973-as musical alapján készült, a sci-fi és a B-kategóriás horrorfilmek előtt tisztelgő, lendületes tisztelgés a megjelenéskor többnyire figyelmen kívül maradt, amikor rossz kritikák gyötörték, és még a halloweeni New York-i világpremierjét is törölték. A film csak egy évvel később talált rajongók seregére, és megszilárdította státuszát az éjféli filmek titánjaként. Susan Sarandon és Barry Bostwick játsszák a főszerepet, mint egy fiatal pár, akik csapdába esnek egy őrült tudós (Tim Curry felejthetetlen alakításában) hátborzongató kúriájában. A Rocky Horror Picture Show az aljas esztétika és a ragályos zene mellett örök meghívás arra, hogy újra és újra, és újra és újra megismételjük az időcsavarodást.
26. A francia kapcsolat (1971)
(Képhitel: 20th Century Studios)
William Friedkin krimije, amelyet széles körben minden idők egyik legjobb filmjeként tartanak számon, valamint a történelem egyik legjobb autós üldözési jelenetét tartalmazza, igaz történeten alapul, és – nagyon találóan – hitelesen érzékelteti az 1970-es évek eleji New York télies mocskát. A New York és a festői Franciaország között megosztott A francia kapcsolat két keménykezű New York-i rendőrnyomozót követ (Gene Hackman és Roy Scheider alakításában), akik egy kábítószer-kereskedelemmel foglalkozó hálózat után nyomozva egy nagyszabású nemzetközi összeesküvésre derítenek fényt. Az évtized erkölcsi hanyatlását jelképező A francia kapcsolat még ennyi év után is keményen üt.
25. Annie Hall (1977)
(Képhitel: United Artists)
Bár a Woody Allen iránti csodálat érthető módon megkopott az évek során, az Annie Hall még mindig megérdemli az ünneplést, hiszen a modern romantika felháborítóan játékos és mélyen elgondolkodtató vizsgálata. Az író/rendező Allen lényegében saját magát alakítja (sokkoló, tudom), a filmben egy neurotikus komikust követünk nyomon, aki azt firtatja, miért ment tönkre a kapcsolata legutóbbi barátnőjével, Annie Hall-lal (Diane Keaton). A valóságtól elrugaszkodott, nem lineárisan elmesélt, a főszereplő szokatlan gyermekkora és a többi sikertelen házassága között cikázó Annie Hall sokáig a romantikus vígjátékok királyaként tartotta meg az uralmát, bár a happy end még mindig nem hasonlít a legtöbb hagyományos romkomra.
24. Halloween (1978)
(Képhitel: Trancas International Films)
Csak azokat a kísérteties zongorahangokat kell hallanod ahhoz, hogy tudd, karnyújtásnyira vagy egy hátborzongatóan fehér Kirk kapitány-maszkba öltözött gyilkostól. John Carpenter negyedik filmje, a Halloween alapmű a slasher műfajban, és még mindig az egyik legjobb, amit a műfaj kínál. Jamie Lee Curtis színésznő Laurie Strode-ként, egy hétköznapi középiskolás lányként vált híressé, akit Halloween éjszakáján Michael Myers (Nick Castle és Tony Moran alakításában), egy alig legyőzhető gyilkos és elmegyógyintézetből szökött férfi erőszakosan üldöz. Bár a Halloween rengeteg folytatást ihletett, hogy minden idők egyik legjövedelmezőbb horrorfilm-franchise-át alkossa, az eredeti film a maga nemében önálló alkotás az elhallgatott traumákról, amelyek mindenhol a környékeken leselkednek ránk.
23. Kramer kontra Kramer (1979)
(Képhitel: Columbia Pictures)
Robert Benton szívszorító drámájában, amely Avery Corman 1977-es regénye alapján készült, egy fiatal pár – akiket Meryl Streep és Dustin Huffman alakít – keserű válása során derül fény arra, hogy a társadalom milyen sokféleképpen halmozza az emberekre a családalapítással kapcsolatos terhes elvárásokat, amelyek alatt a térdük megrogy. Ebben a történetben nincsenek gonosztevők (kivéve néhány bunkó ügyvédet), csak a hideg, kemény igazság, hogy a szerelem elmaradhat attól, amit valójában akarunk és amire szükségünk van. A Kramer kontra Kramer 1979-ben a modern családok hiteles ábrázolásával keltett visszhangot a közönség körében; a CDC adatai szerint ugyanebben az évben a válási arány rekordmagas, 22,8 százalékos volt.
22. Superman: A film (1978)
(Képhitel: Warner Bros.)
A jóképű Christopher Reeve-vel az Acélember szerepében, Margot Kidder és Gene Hackman mellett a közönség valóban elhitte, hogy az ember tud repülni. A Jerry Siegel és Joe Shuster által megalkotott DC Comics-ikon alapján Richard Donner korszakalkotó szuperhősfilmje (és a Marvel Moziverzum mintája) bebizonyította, hogy a képregényes történeteket hús-vér színészekkel is el lehet mesélni a vásznon. A Vietnam, a Watergate-botrány és a hidegháború okozta egzisztenciális rettegés által kísértett, viharos környezetben a Superman: A film arra emlékeztette a közönséget, hogy még a hatalommal rendelkezők is kiállhatnak az igazság és az igazságosság mellett. Hát nem ez lenne az amerikai út?
21. Enter the Dragon (1973)
(Képhitel: Warner Bros. Pictures)
Bruce Lee halálában nagyobb sztár, mint életében valaha is volt, és ez nagyrészt a csábító Enter the Dragonnak köszönhető. Bár Robert Clouse irányította, az Enter the Dragonra leginkább úgy emlékszünk, mint a legendás főszereplőre, aki szupernova energiával tündökölt egyetlen hollywoodi filmjében. A harcművészeti macsóság mesterművében, az Enter the Dragonban Lee egy shaolin szerzetest alakít, akit a brit hadsereg toboroz, hogy egy bűnözői nagyúr szigeti erődjében nyomozzon. Bruce Lee halálának tragédiája, amely különös körülmények között, mindössze néhány hónappal a film bemutatója előtt következett be, abban rejlik, hogy nyilvánvalóan sokkal többre volt hivatott. Az Enter the Dragon csak felvillantja, mi lehetett volna.
20. Szombat esti láz (1977)
(Képhitel: Paramount Pictures)
Semmi sem határozza meg úgy a hetvenes éveket, mint a diszkó, és nincs olyan film, ami úgy definiálná a diszkót, mint John Badham Szombat esti láza. A Szombat esti láz a szörnyű sláger soundtrackje és a hisztérikus pávaként ringatózó fiatal John Travolta között az érzékek támadása, amely nem riad vissza attól, hogy a diszkó sötét zugaiba is bekukkantson. Travolta egy 19 éves munkásosztálybeli fiatalembert alakít, aki hétközben a barkácsáruházi munkáján őrlődik, hogy minden szombat este királyként élhessen kedvenc szórakozóhelyén. Bár a magazincikk, amely a filmet ihlette, bohózatnak bizonyult, a Szombat esti láz egy felejthetetlen pillanat erejéig valóban a diszkót tette Amerika megszállottjává.
19. Harmadik típusú közeli találkozások (1977)
(Képhitel: Sony Pictures)
Steven Spielberg saját szeizmikus filmjét, az E.T.: A földönkívüli címűt megelőzte az 1977-es A harmadik ember közeli találkozások című eposz. Egy UFO-val való véletlen találkozás után egy indianai villanyszerelő (Richard Dreyfuss) az első sorban kap helyet a Föld és egy idegen társadalom első hivatalos találkozóján. A Harmadik típusú közeli találkozások káprázatos látványosság, amely különösen királyi hangvételű és hangulatú, mint a legtöbb idegenek inváziójáról szóló film előtte vagy azóta, és egy érett sci-fivel teli közeljövő előhírnöke volt.
18. A szarvasvadász (1978)
(Képhitel: Universal Pictures)
Közvetlenül a vietnami háborút követően Hollywood többsége habozott megküzdeni az amerikai külpolitika szánalmas kudarcával, amely emberéletek sokaságát játszotta ki bábuként. De Michael Cimino A szarvasvadász című filmje (Robert De Niro, Christopher Walken és Meryl Streep főszereplésével) az első és máig a legjelentősebb filmek között volt, amely közvetlenül foglalkozott a vietnami háború által a nemzeti erkölcs szörnyű eróziójával. Bár a beszámolók eltérnek abban, hogy a The Deer Hunter mennyire tért el az eredeti forgatókönyvtől, amely Las Vegas alvilágában játszódott, Cimino filmje kíméletlen, kendőzetlen erőmű, amely a pennsylvaniai baráti társaságról szól, akiknek életét örökre megváltoztatja a vietnami katonai szolgálat. Központi „játékát”, az orosz rulettet a nagyszerű kritikus, Roger Ebert úgy értelmezte, mint a véletlenszerű erőszakról szóló „szervező szimbólumot”, amely „feleslegessé tesz minden ideológiai állásfoglalást a háborúról”.
17. The Sting (1973)
(Képhitel: Universal Pictures)
Néhány évvel azután, hogy Robert Redforddal és Paul Newmannel is együtt dolgozott a Butch Cassidy és a Sundance kölyök című filmben, George Roy Hill rendező újra összeállt a két kitüntetett színésszel egy másik filmes szenzáció, a The Sting című filmben. Ez a kifogástalan stílusú, nosztalgikus bűnügyi kalandfilm a nagy gazdasági világválság idején játszódik, és két szélhámosról szól, akik összefognak, hogy átverjenek egy maffiafőnököt. A szereplők hihetetlenül bonyolult terveit a finom ruházat, a könnyed ragtime-zene és az általános, előkelő esztétikai design egészíti ki, amely szándékosan a Saturday Evening Post poros példányainak lapozgatását idézi. Redford és Newman minden hengeren tüzel, így a The Sting túl könnyen átverhet minket.
16. Carrie (1976)
(Képhitel: United Artists)
A valaha kigondolt legvégső zaklatásellenes kampánynak a Carrie-nek, Brian De Palma örökérvényű horrorklasszikusának kell lennie. A Stephen King hasonlóan félelmetes debütáló regénye alapján készült Carrie híres egy félénk, zaklatott tinédzserről (Sissy Spacek alakítja), aki természetfeletti erőket fejleszt ki, és ezt arra használja, hogy bosszút álljon az egész iskoláján. Bár a film lassított felvételén a disznóvér kiöntését a végtelenségig gúnyolták, a Carrie még mindig kísérteties a középiskola rémálomszerű ábrázolásában, és abban, hogy sok szerencsétlen számára ez elég traumatikus ahhoz, hogy mély sebeket hagyjon maga után.
Carrie £8.99 a Waterstonesnál
15. Hálózat (1976)
(A kép forrása: United Artists)
Mindenkinek, aki pokolian őrültnek érzi magát, és nem bírja tovább, ott van a Network. Sidney Lumet sötét komikumú drámája a média végtelen szenzációhajhászásának fenntarthatatlanságáról szóló, korszakalkotó társadalmi kommentár, amely egy összeomlás szélén álló tévécsatornáról szól, mígnem annak elismert műsorvezetője, Howard Beale (Peter Finch) élő adásban öngyilkossággal fenyegetőzik. Mániája a nézettség növekedésével egyre fokozódik, a Network az ízlés hívószavát vizsgálja a mérgező információk lavinájával szemben. A Network jóval megelőzte a kábelhírek és a közösségi média korszakát, de még ennyi év után sem veszítette el a lényegét.
14. Egyszer repült a kakukk fészke fölött (1975)
(Képhitel: United Artists)
Jack Nicholson és Louise Fletcher a főszereplők MiloŠ Forman Egy röpte a kakukk fészke felett című filmjében, egy oregániai elmegyógyintézetben játszódó sötét drámában, amelyben egy beteg (Nicholson) a zsarnoki Ratched nővér (Fletcher) kiszolgáltatottja, és páciensei lázadását vezeti ellene. A Ken Kesey 1962-es regénye alapján készült film ünnepelt antikonformista metaforaként létezik; bár Roger Ebert egy 2003-as ragyogó újrakritikájában rámutat, hogy túlságosan leegyszerűsíti a mentális betegségek megoldásait, valójában nem ez a lényeg, „mert nem érdeke, hogy az őrületről szóljon” – írta Ebert. „Hanem egy szabad szellemről szól egy zárt rendszerben”.
Mulatságos megjegyezni: a filmet az Oregoni Állami Kórházban, egy törvényesen működő elmegyógyintézetben forgatták. Cserébe azért, hogy a filmkészítők használhassák a helyszínt és a színészeket, hogy valódi betegeket árnyékolhassanak be a kutatáshoz, a kórházi betegeket be kellett vonni a film stábjába. A The Guardian 2017-es cikkében Michael Douglas színész, a film producere így nyilatkozott: „Végül számos [beteg] dolgozott nálunk különböző osztályokon. Csak később jöttem rá, hogy sokan közülük bűnözői elmebetegek voltak. Volt egy gyújtogató, aki a művészeti osztályon dolgozott”.
13. Solaris (1972)
(Képhitel: Mosfilm)
Képzeld el, hogy annyira utálsz egy másik filmet, hogy megcsinálod a sajátodat, csak hogy odaszúrj nekik. Andrej Tarkovszkij orosz filmrendező így állt hozzá a Solaris című sci-fi filmjéhez (amely Stanislaw Lem 1961-es regénye alapján készült), Stanley Kubrick 2001: Űrodüsszeia című filmjének visszavágásaként. A fiktív Solaris bolygó körül keringő űrállomáson egy pszichológust (Donatas Banionis alakítja) küldenek ki, hogy pszichoanalízisnek vessék alá a legénységet, akik érzelmi válságról számoltak be. Kubrick filmjével ellentétben Tarkovszkij Solarisát nem a makulátlan dizájn jellemzi, hanem a kopott és lepusztult esztétika, amely egy sokkal őszintébb emberi tapasztalatról beszél. Tarkovszkij így utasította művészeti vezetőjét: „Az űrállomásunk úgy nézzen ki, mint egy lerobbant öreg busz, ne pedig mint valami futurisztikus űrutópia”.
12. Piszkos Harry (1971)
(Képhitel: Warner Bros.)
Miután 1968-ra feloldódott a Hays-kód, Clint Eastwood előkerült, .357-es Magnummal a kezében, a Piszkos Harryvel 1971-ben. A Don Siegel által rendezett film főszereplője Eastwood a San Franciscó-i korrupt zsarut, „Piszkos” Harry Callahant alakítja, aki vitathatatlanul a mozi meghatározó antihőse a törvény betartására irányuló kitartó elszántsága miatt, ami ironikus módon arra készteti, hogy gyakran megkerülje a törvényt. Bár a Piszkos Harry egy franchise-t hozott létre, az első film egy olyan kiemelkedő alkotás, amelyben Hollywood végre valóban engedett a képernyőn látható erőszaknak, amelyet Harry félrevezetett igazságossága igazolt. Eastwood költői kérdése, „Szerencsésnek érzed magad, punk?”, megtestesíti az amorális évtized miazmáját.
11. Rocky (1976)
(Képhitel: United Artists)
Miután évekig küzdött a színészi karrierért, Sylvester Stallone majdnem lemondott a színészi pályáról, amíg lassan fel nem halmozódott a tévés statisztaszerepek munkája. Aztán a Rockyval ringbe lépett, és azóta sem volt a régi. John G. Avildsen érzelmes sportdrámájában Stallone a feltörekvő bokszolót és adósságbehajtót, Rocky Balboát alakítja, akit a főszereplők közé sodor, amikor a nehézsúlyú bajnok Apollo Creed (Carl Weathers) kiválasztja Rockyt egy profi bemutatóra. A Rocky egy felkavaró sportdráma, amely számtalan hozzá hasonló filmet inspirált, és még mindig minden idők egyik legjobb sportfilmje. A Rocky III a „Tigris szeme” című filmmel a világot is megajándékozta.
10. Az óranarancs (1971)
(Képhitel: Warner Bros.)
Stanley Kubrick szürreális disztópikus drámája, Anthony Burgess 1962-es regényének adaptációja egyszerűen minden idők egyik legfelkavaróbb filmje. Kubrick tematikailag sűrű filmje egy hátborzongatóan karizmatikus tinédzser bandavezér (Malcolm McDowell alakításában) ámokfutása köré összpontosul, és a fiatalkori bűnözés, a meggyengült társadalmi kohézió és a hatalom tehetetlenségének szélsőséges végleteit mutatja be. A szörnyű erőszak a képernyőn a célt szolgálja, de sajnos sokáig voltak olyanok, akik nem értették a lényeget, és a film ellentmondásos módon valódi, másolt bűncselekményeket ihletett. Annak ellenére, hogy Kubrick nyomására kivonták a mozikból, az Óranarancs úgy maradt fenn, mint egy mestermű, amely számos gondolatát egy labirintus szűk ösvényein keresztül vezeti.
A Clockwork Orange £6.39 az Amazonon £8.19 a Hitnél £9.69 a Hive Booksnál
9. Kínai negyed (1974)
(Képhitel: Paramount Pictures)
Roman Polanski Kínai negyedét az utolsó sorával lehet meghatározni: „Felejtsd el, Jake, ez a Kínai negyed”. Az előzménye megtévesztően egyszerű: 1937-ben játszódik, egy nő (Faye Dunaway) felbérel egy magánnyomozót, Jake Gittes-t (Jack Nicholson), hogy hűtlenség gyanújával kövesse nyomon a férjét. Ami valójában történik, az egy többrétegű ásatás azokba a sötét mélységekbe, amelyekre az emberiség nyugtalanítóan képes, a film pedig a film noir és a krimi konvenciókat felhasználva valóban pszichológiai drámaként működik. Chinatown nem csupán egy helyszín a filmben, hanem a káosz, a gonoszság és a hiábavalóság metaforája, ahol a legjobb és legmorálisabb dolog, amit az ember tehet, hogy nem tesz semmit.
8. Apokalipszis most (1979)
(Képhitel: United Artists)
Francis Ford Coppola majdnem elvesztette az eszét az Apokalipszis most forgatásán. A számos forgatási probléma – többek között a túl magas költségvetés, a tervezett öt hónapnál jóval hosszabbra nyúlt forgatási idő, a Fülöp-szigeteki pusztító viharok és Charlie Sheen szívrohama – miatt stresszes Coppola 1991-ben maga vallotta be: „Apránként megőrültünk.” Nehéz megmondani Coppola nélkül, hogy megérte-e a fájdalom, de évtizedekkel az 1979-es bemutató után az Apokalipszis most-ot széles körben megaklasszikusnak és az új hollywoodi kánon egyik ékkövének tartják. A vietnámi háborúba való fantasztikumba merülő film egy katonai századosról (Sheen) szól, akit titokban megbíznak egy szélhámos ezredes (Marlon Brando) meggyilkolásával, akit az emberei és a helyiek félistenként imádnak. A zseniális és merész Apokalipszis most vitathatatlanul a meghatározó vietnami háborús film, de mindenki számára, aki megjárta a poklot és vissza, visszhangzik.
7. Az ördögűző (1973)
(Képhitel: Warner Bros.)
Ez a film annyira megijesztette a közönséget, hogy a szájról szájra terjedő hírverés futótűzként terjedt, így talán ez lett az első vírusos siker. A William Friedkin rendezte William Peter Blatty regényének adaptációja (aki a forgatókönyvet is írta) egy hitválságban szenvedő papról (Jason Miller) szól, akit az egyház megbíz egy fiatal lány (Linda Blair) démoni megszállásának kivizsgálásával. Az Ördögűző egy korszakalkotó kasszasiker volt, amely nemcsak mainstreamebbé tette a horror műfaját, hanem tiszteletreméltóvá is, bebizonyítva, hogy sokkal többre képes a sminkelésnél és a szörnyeknél. Ebben az esetben egy ijesztő film arról, hogy mit jelent szembenézni az önbizalomhiány gonoszságával. Néhány apróság: A filmet komikus módon karácsony utáni napra, december 26-ra tervezték. Bár Friedkin más időpontot szeretett volna, Sarah Crowther filmtörténész szerint a dátumot szándékosan választották, hogy egy kis vitát szítsanak.
6. Az elnök emberei (1976)
(Képhitel: Warner Bros.)
Valami történt 1972. június 17-én a Demokrata Nemzeti Bizottság washingtoni székházában. 1972-ben ez a valami a Watergate-botrány volt, amelyből Carl Bernstein és Bob Woodward, a Washington Post újságírói könyvet írtak. Négy évvel később Bernstein és Woodward nyomozása az évtized egyik legmeghatározóbb filmjévé vált: az Alan J. Pakula által rendezett All the President’s Men. A könyörtelenül korrupt uralom alatt a leleményesség és az erényes elvek bajnoka, az All the President’s Men éppen azért lebilincselő, mert nem túl fényes pillantást vet a gumishoe-újságírás makacs kitartására. Ez a szakma tele van zárt ajtókkal, figyelmen kívül hagyott telefonhívásokkal és névtelen rejtélyes beszélgetésekkel. Pakula filmje még így is mindig olyan lebilincselő, ahogy két férfi az igazságot keresi, amikor senki más nem képes elvégezni a munkát.
5. Idegen (1979)
(Képhitel: 20th Century Studios)
Ridley Scott monumentális sci-fi horrorfilmje nem csak egy maradandó franchise-t hozott létre, Sigourney Weaverből és John Hurtből sztárokat csinált, de megformálta az összes későbbi műfaji hibrid nyelvezetét és esztétikáját is. A távoli jövőben játszódó filmben, ahol az űrutazás mindennapos, a Nostromo kereskedelmi vontatóhajó hétfős legénységét egy vészjelzés ébreszti fel idő előtt a sztázisból. Amikor a kalandozó csapat visszatér egy elhagyott idegen hajó felkutatásából, tudtukon kívül egy idegen lényt hoznak magukkal, aki gyorsan savköpő veszedelemmé nő, és mindannyiukat fenyegeti. Az ikonikus szlogennel: „Az űrben senki sem hallja a sikolyodat”, az Alien egy csapásra új, félelmetes arcot adott két legendás műfajnak.
4. Taxisofőr (1976)
(Képhitel: Columbia Pictures)
A rendező, Martin Scorsese által álomnak szánt Taxi Driver inkább egy lázas hallucinációra hasonlít, mint pszichológiai thriller egy zavart férfi küldetéséről, aki egyedül akarja megtisztítani a korrupt New Yorkot. Robert De Niro főszereplésével Travis Bickle, a traumatizált vietnami háborús veterán és éjszakai taxisofőr szerepében a Taxisofőr olyan, mintha egy bizonytalan ember agyába kukkantanánk be, aki hiányosságait túlkompenzálja extrém férfiassággal és nagyzási téveszmékkel. Évtizedekkel az 1976-os bemutatója után Scorsese ellentmondásos filmje – amely legalább egy elnöki merényletkísérletet inspirált – még mindig riasztóan aktuális.
3. A Keresztapa (1972)
(Képhitel: Paramount Pictures)
Francis Ford Coppola megállhatott volna A keresztapánál, és még mindig tisztelt filmművész lenne. Mario Puzo 1969-es bestsellere alapján, amely egy fiktív olasz maffiadinasztiáról szól, Coppola halhatatlan filmjében Al Pacino és Marlon Brando (valamint James Cann, Robert Duvall és Diane Keaton) alakítják a Corleone bűncsalád fejét. Az 1945 és 1955 között játszódó Coppola terjedelmes eposzában Michael Corleone (Pacino) a legfiatalabb fiúból, aki vonakodik még csak gondolni is a családi üzletre, az apja szerepének utódjává válik. A Keresztapa igazi amerikai klasszikus, minden idők egyik legnagyobb filmje, amely a családi dinamika drámai tanulmánya, miközben a háború utáni Amerika olasz maffiájának hangulatos világát mutatja be.
A Keresztapa £6.63 az Amazonon
2. Csillagok háborúja (1977)
(Képhitel: 20th Century Studios)
A világ egyik legjövedelmezőbb és legelismertebb médiafranchise-ját hozta létre. De még ha nem is lett volna, George Lucas 1977-es Csillagok háborúja (azóta átkeresztelve Star Wars: Episode IV – Egy új remény) című filmje a tiszta képzelet művészi teljesítménye. Lucas saját képtelenségéből kiindulva, hogy Flash Gordon-filmet készítsen, a Csillagok háborúja mindenekelőtt a jó és a rossz klasszikus története, ahol a haladó eszmékkel felvértezett, szerencsétlen alulmaradók még mindig győzelmet arathatnak a felsőbbrendű erők felett. Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinness és James Earl Jones parancsoló hangja népesíti be a végső kalandot egy messzi-messzi galaxisból.
Star Wars£9.95az Amazonon£12.98az Amazonon£13.60az Amazonon
1. A cápa (1975)
(Képhitel: Universal Pictures)
Csak azért, mert nyár van, még nem jelenti azt, hogy nem kell félned az alattad lévő mélység sötétjétől. Steven Spielberg meghatározó szörnyhorrorjában, a Cápa című filmben egy festői tengerparti várost terrorizál egy különösen éhes nagy fehér cápa, aki kiszámított sorozatgyilkosként halmozza a holttesteket. Az egyik első igazi hollywoodi blockbuster, Spielberg ügyesen küzdötte le a cápával kapcsolatos technikai problémákat, hogy az örökös, kiszámíthatatlan rettegés légkörét teremtse meg; valóban semmi sem ijesztőbb, ha nem tudod, hol van a szörnyeteg bármikor. Bár a hetvenes éveknek még sok olyan filmje van, amely hasonló elismerést érdemel, mint minden idők legjobbjai, csak egy van közülük, amely elég méltó ahhoz, hogy nagyobb hajót követeljen.
Cápa8.1/10Nézd meg a Netflixen6.39 az Amazonon9.69 a Hive Books-on